Ante el extraño sentimiento de cómoda inseguridad taxónomica, desde un punto de vista sonora (con todas las contradicciones que lo anterior plantea), quisimos hablar con Río acerca de su nuevo trabajo y de lo que vienen haciendo. Carlos, nos cuenta...
RÍO
Encuentro el día sábado 13 de noviembre de 2010.
Café La Perla, Barrio Once, Buenos Aires.
En la mañana.
Andrea Rovira – Agente de prensa
Carlos Passeggi – Batería, percusión y mezclas (Río)
Camilo Rios – Reseñas
Qué falta en el campo cultural…
Todo está muy concentrado acá, todo el mundo muy emocionado por laburar acá, en Buenos Aires. Y aunque hubo épocas mejores, es muy difícil generar circuitos de laburo en el interior. Y es una lástima, porque al menos trabajar con las capitales de las provincias… está buenísimo para laburar. Pero es muy difícil, solamente el transporte, ya ahí tenés un grado de dificultad que está acá arriba.
En realidad, yo creo que lo que falta, en ese sentido es, más que nada, que estén más aceitadas las funciones de prensa, difusión, manager, stage manager, los sonidistas incluso. Hay circuitos muy profesionales por ejemplo en Córdoba. Córdoba es como una industria aparte, pero muy enfocado a la música de Córdoba, todo lo que es el cuarteto. Hay tipos que son re contra conocidísimos y que acá no sabemos ni quiénes son. Porque son muy del cuarteto cordobés. Nosotros cuando íbamos, con Psycho, que laburamos mucho y que íbamos mucho a Córdoba, por ahí íbamos a televisión, y aparecía ‘Pepito’ ponele, El Gran Pepito, y nosotros no sabíamos ni quién era, y aparecía con club de fans, en una camioneta gigante, y la gente gritaba por Pepito, y… ¿de dónde es Pepito?, ‘no, de acá… de Córdoba’. Córdoba es lo más fuerte, después Rosario, Mendoza, hasta donde yo conozco. Y en Santa Fe lo que pasa es un poco lo mismo que acá, sobre todo es que cada cosa que hacés en Santa Fe, o en el interior, es difícil capitalizarlo en difusión, porque no hay un sistema de prensa alrededor de esos eventos que haga que aparezcas en medios que te sirvan luego para difundir el nombre.
Con otro proyecto tocamos hace poco en un lugar que se llama Café Vinilo. Es un lugar que tiene mucha ‘chapa’. Entonces tocaste en Vinilo, y con eso ya accediste a Clarín, y con eso más cosas, y eso irradia en el interior. Y vas alcanzando cierto nivel que genera laburo. Eso se irradia desde Capital hacia el interior, porque en el interior no hay un sistema de difusión y de prensa suficientemente explotado o aceitado como para que eso te genere laburo independientemente de Buenos Aires (sólo en Córdoba, que tiene medios muy importantes…). Los medios de Capital aplastan a los medios…, por eso, viva la ley de medios; que no se si es garantía pero por lo menos es la intención de cambiar algo.
Y también hay una costumbre, de la gente del interior. Yo vivo en un pueblo y tenés noticias de la zona en televisión una hora al día, y noticias nacionales tenés cuántas horas por día, porque tenés tantos canales de noticias. Está bien, es proporcional a la cantidad de eventos que suceden. En las comunidades chicas pasan pocas cosas, pero igual…
La carencia no está dentro del ámbito… y el ámbito?
Está mejorando eso, pero está muy caída la cosa. Argentina era… lo digo con toda la objetividad que puedo… El rock más importante de Latinoamérica se hacía acá, allá lejos en ese tiempo. Hoy las cosas más novedosas y más interesantes no salen de acá, sobre todo en cuanto al rock y parientes del rock: desde el heavy metal hasta el techno. Yo creo que el rock argentino se estancó mucho en cosas rolingas. En miradas de cosas que ya hace treinta años eran viejas, y por otro lado se hizo fuerte esta cosa del rock barrial y de seguir a un grupo rock como si fuera un equipo de fútbol, con esta cosa del aguante, y de la camiseta… A mí honestamente del panorama del rock actual no me interesa nada. Hay algunas cosas que están buenas, me gustan los Babasónicos, aunque los Babasónicos de nuevo no tiene nada. Y Miranda, que me parece que es lo más interesante que apareció en los últimos años. Después hay un montón de cosas que están buenísimas pero están muy alejadas del rock, fusiones con tango, con folklore, como con otro tipo de corrientes que antes eran intocables.
Lo último producido… esa “contaminación” positiva del rock…
estando y siendo todo, al tiempo: Río…
Honestamente, nosotros siempre fuimos muy amantes de la música. Lo mejor que me ha pasado en la vida a mí es escuchar a los Beatles desde que tenía tres años, porque en mi casa se escuchaba eso todo el tiempo, mas otras cosas. Si uno escucha a los Beatles, en general es bastante ecléctico lo que hay. Hay de todo dentro de eso, desde música que apunta a lo que era la vanguardia en ese momento, toda la sicodelia, la instrumentación electrónica, etc., a la utilización de recursos de la música clásica, que era el aporte que hacía George Martin; la mirada que muchas veces resulta a veces como naif o bromista que hacía con la música, como en Michelle, que es como una balada de los años treinta o cuarenta… ¿por qué pasa eso? Yo creo que cualquier persona sensible a la música no puede no “contaminarse” con otras cosas. El rock es un género que siempre se ha contaminado, pero en algún momento creo que, eso habla un poco mal –creo que dice que el rock está medio muerto–, el rock dejó de contaminarse y se volvió como una cosa purista, de culto… Porque uno ya puede codificar, y decir qué cosa es rock y qué cosa no es rock, y eso quiere decir que el rock es un género de culto, casi como el tango que uno puede extraer elementos propios del rock y puede reconocer cuándo no son… En la época de los Beatles no era tan claro qué era rock y qué no era rock.
Nosotros, desde Río, experimentamos eso en nosotros. En un ensayo de Río puede caer uno con un disco que The Clash… qué bueno que suena, o un disco de Aca Seca (que es un grupo folklore muy bien agarrado de las tradiciones, pero con una visión muy refinada y actual… como una especie de fusión también)… y en algún momento podíamos separar mejor los elementos: ‘esto está bueno pero para esto…’; ahora que estamos un poco más viejos [risas], ‘¿qué es lo que nos gusta hacer, qué es lo que nos gusta tocar, qué cosas nos atraen en este momento?, bueno: eso’. Y así como que aparecen esas contaminaciones, porque en realidad estamos contaminados, y espero seguir estando contaminado. Yo estudié composición en el conservatorio, escucho Stockhausen y me encanta, y escucho Beatles y me encanta también, y me gusta Miranda; y la verdad que me cuesta mantener los límites cuando estoy trabajando, nos cuesta (Sebastián es más organizado…) . Pero a la larga uno cuando está haciendo producción, como uno toma la decisión de producción porque el disco lo hicimos nosotros, composición, todos los temas son nuestros en el disco (excepto dos temas en el disco que son un tema de The Clash y un tema de los Beatles), entonces todas las decisiones las tomamos nosotros, somos los productores. Y la verdad creo que eso es parte de la identidad del disco.
No hay ninguna garantía de tener ningún tipo de éxito haciendo ningún género en particular. No es que uno pueda decir ‘hacés tango y te va a ir bien’, o ‘hacés rock y te va a ir bien’ como en alguna época se creía por ejemplo que si hacías rock hacías plata… Como no hay ninguna garantía de nada, y como no corremos tampoco detrás de ese éxito, entonces más vale hacer lo que nos gusta.
Psycho – Río: continuidades, diferencias…
…Fue una lástima no capitalizar eso, porque hubiera estado bien. Yo creo que Psycho fue genial en el primer disco, se habían juntado Sebastián, el cantante de Río, y Andrés que es uno de los miembros que no está en Río, con un portaestudio, dos teclados, eran fanáticos de la música electrónica, e hicieron el primer disco. Y ese primer disco funcionó bárbaro, ese que tiene ‘violencia en tus ojos’ y demás. En el segundo hubo más pretensiones del sello, viene un productor y dice ‘tienen que hacer esto, tienen que hacer aquello, fíjense…’, entonces había como un mareo, y perdió buena parte de su autenticidad.
Lo que más admiramos de Psycho en Río es la autenticidad del primer disco. Y la idea es un poco recuperar eso. El disco anterior fue un intento lindísimo pero fue como más tímido, este es más radical en este sentido. Es como decir, ‘bueno, queremos hacer esto, es lo que nos sale…’, casi diría que este disco está mucho más conectado con aquel primer disco de Psycho, no tanto en la cuestión estética, aunque lo tiene también, más que nada en el estilo; este es el primer disco que no tiene ningún sello, es totalmente independiente. El disco anterior de Río salió por el mismo sello que salió el segundo disco de Psycho, que ya empezó a contaminarse un poco, contaminarse en mal sentido [risas]. Vamos a diferenciarlas, la contaminación buena son las influencias, la contaminación mala es cuando querés que sea un éxito…
El primer disco de Psycho anduvo muy bien, trabajamos muchísimo, por muchos lugares, y eso fue un peso muy grande, como siempre, para sacar un segundo disco. Hubo una especie de mareo, generalizado. Igual me gusta el segundo disco, pero creo que es más que nada como un arbolito que uno planta, que después no es gran cosa pero que uno lo quiere porque lo sembró uno [risas].
Y, ¿qué es lo que no tiene, este nuevo trabajo, de Psycho? La verdad es que… [silencio]… no tiene tantos límites estéticos, digamos. El primer disco de Psycho era muy de un género. La mirada estaba puesta en el rock electrónico, Depeche Mode, The Pet Shop Boys, The Human League (de hecho hay un cover de The Human League y un cover the Depeche Mode). Este no tiene esos límites estéticos. Pero Depeche Mode no los tiene hoy. Psycho era así, la gente lo amaba o se descomponía, les daba náuses vernos, tenía una batería electrónica, era muy rara la puesta. Me parece que era muy innovadora la propuesta, no lo puedo asegurar porque capaz había otra gente haciendo cosas parecidas y no lo sabía. Entonces creo que no tiene esos límites estéticos pero porque además, un poco lo que hablábamos, hoy no hay límites tan claros en general. Hay grupos que tienen ciertas influencias que nos son propias del estilo. Creo que eso es lo que no tiene: tiene menos ingenuidad, porque somos más grandes; el primer disco era muy ingenuo. Yo no grabé en el primer disco, a mi me llaman para salir a tocar. Yo había tocado con Sebastián en un grupo cuando yo tenía diecinueve años. Era un grupo con Sebastián que hacíamos Bossa-nova, música latinoamericana, una cosa así. No lo vi durante tres años a Sebastián, y luego empiezo a escuchar que se había encerrado con su amigo con una portaestudio a grabar, a depurar sus cosas… eran muy malos como instrumentistas, pero muy tenaces, laburadores y sabían muy bien lo que querían hacer. Y la primera vez que yo escuché Psycho dije, ¿y eso de dónde viene?, y era mi amigo Sebastián que estaba haciendo eso, que era muy raro. Parecía un grupo español, porque aparte tenía eso electrónico que en esa época estaba muy mal visto. Las críticas eran, sobre todo en el ambiente de acá, el más rockero, cuando íbamos al ‘rock and pop’, y los tipos agarraban el disco así como con asco y después lo escuchaban y decían ‘está bueno’, pero tenía una imagen muy electrónica y el sonido era muy electrónico…
Todavía por ejemplo Miranda produce rechazo; yo doy batería y con mis alumnos, cuando les digo que me gusta Miranda se sienten defraudados; pero la cuestión es que me parece que hay una búsqueda en general, hoy es un momento interesante porque el rock está viendo dónde apunta, y ganaron mucho terreno otros géneros: el folklore, el tango. A veces lo que se escucha del folklore o del tango no es lo más lindo ni mucho menos, pero hay un espacio ganado ahí que antes era muy del rock todo eso… y eso debe ser por algo: el rock está medio convaleciente; por eso me cuesta entender que todavía hayan grupos con espíritu rolinga, me cuesta entenderlo tal vez porque no vivo en el barrio de donde sale la banda del barrio… pero deben ser fenómenos que van mucho más allá del fenómeno estrictamente musical como el aguante y un poco eso.
Un sentir… el nuevo disco de Río… felizmente inclasificable…
Por la piel pasa una felicidad total. A nosotros nos pasó que sobre todo en el segundo disco de Psycho que había mucha pretensión, la idea de que eso podía funcionar o no podía funcionar, cada cosa que uno hacía, lo pensábamos en términos de gira, de éxito… cada cosa era evaluada en esos términos, entonces era muy pesado, no sirve para nada, te desconcentra y no aporta. Habrá quienes lo pueden hacer o a quienes le sale naturalmente; no sé, Paul McCartney debe saber cada canción qué grado de éxito va a tener, pero bueno le sale naturalmente. Ojalá uno pudiera tener algo de eso. El más organizado, el más objetivo, el menos visceral del grupo es Sebastián, el cantante y compositor. Él siempre está evaluando cada detalle, él se organiza para ser espontáneo, es metódico, pero hace un método para ser espontáneo [risas], pero es muy laburador, hasta ha incorporado en su método dejar libres ciertos espacios para que estas cosas mas viscerales o de más espontaneidad surjan.
Una cosa que nosotros rara vez hacíamos en grabaciones era: ‘acá, a ver, hacete un solito de algo’, y bueno, poníamos a grabar y ‘está bueno, listo: queda’. Antes, sobre todo en el segundo disco era ‘a ver, está medio desfasado, vamos a corregirlo…’, y eso que en esa época no había Pro Tools, o por lo menos nosotros no teníamos acceso, pero si hubiéramos tenido nos hubiéramos desalmado porque era cada golpe… todo una prolijidad, una perfección técnica que después resultaba un poco frío. El único tema que tuvimos así en el segundo disco de Psycho es el último, que es el tema mío, que se hizo un poco así pero era muy electrónico… yo nunca voy a componer un éxito. Pero nosotros lo que hemos visto con Sebastián es que estaba bueno ese tema, para nosotros. En este disco hay mucho más de esa cosa espontánea.
Todos nos hemos perfeccionado mucho en cosas de grabación y cosas técnicas, él [Sebastián] sobre todo, entonces es como ‘fijate que ese sonido… vamos a ver los medios, hay que tener más medios…’, una cosa que estanca un poco, y hace que el método de trabajo, de grabación y de ensayo se haga un poco trabado. En este disco hubo algunas decisiones consientes de hacer que esos espacios ganaran terreno y que avanzaran. Esta foto [que ilustra y encabeza esta nota], medio berreta, no se ve con buena calidad. Esta foto original tenía mucha más calidad, pero Sebastián quería darle como una textura como de mala iluminación o algo así. Y vos la vez así y técnicamente no da una buena impresión o por lo menos parece como si estuviera mal impresa o algo así. Bueno, cuando uno está en eso de dejar libres algunos espacios, se corre ese riesgo también de que algunas cosas queden medio deshilachadas o medio desprolijas, pero bueno, … es como que hay confianza para decir ‘¡nos gusta así!’.
La composición en río – sus letras…
El que más compone es Sebastián. Muchas letras las hace Enrique. Y yo compongo mucho pero no para Río. Mis aportes en ese sentido son muy pocos, más que todo lo que tiene que ver con los arreglos y la producción; pero el que compone es Sebastián, sobre todo Sebastián. El proceso de composición lo conozco bien: Sebastián es un fanático de la melodía, de la búsqueda de la melodía, la cosa cantable y bien estructurada. Le interesa mucho la forma del tema, que esta estrofa funcione bien con la otra estrofa, que esto enganche bien con el estribillo. Normalmente empieza con la melodía, y un pianito muy cómico porque Sebastián es muy malo como instrumentista (parece un tipo de laboratorio, de hecho es ingeniero químico… los dos, Sebastián y Enrique son ingenieros químicos, son de laboratorio)… y en un pianito muy berreta busca los acordes, canta la melodía y después va depurando esa melodía: ‘esta frase no funciona bien…’, un proceso de ajuste de la melodía con un piano solamente. Normalmente la letra viene después. Ha habido casos que no. Pero nunca se compone con este grupo en un ensayo, zafando y a ver qué sale, jamás. Arreglos y esas cosas sí, pero la melodía no. Es una cosa muy típica de muchos grupos de rock, decir ‘bueno, arrancamos con un riff o con una base y empezar a improvisar con una letra o una idea que después se enganche con…’, no, jamás. Es más, acá todos los gérmenes de los temas son pilas y pilas de grabaciones con un pianito y ‘tarara-ti-ta-rará…’ [risas]. Pilas y pilas de eso. Y ese es el proceso, el clásico.
A veces padezco un poco eso, porque es muy expuesto eso de cantar en primera persona, es como que en sicoanálisis se pueden divertir mucho analizando la letra, porque es como que uno se está analizando en las letras… No sé, después le preguntamos a Sebastián [risas]. Algunas veces, yo creo que las letras no representan a las personas de Río. No se puede decir que ‘este es Sebastián que sufre porque tal chica lo dejó’ o algo así… no, siempre en primera persona pero adoptando un personaje imaginario que no es Kurt Cobain que uno puede decir, ‘este tipo está sufriendo’… acá no, para nada. Es más, yo creo que son personajes producto de la imaginación. Y luego tiene algunas cosas como cómicas: ‘tres minutos de chin bom bom’ es una joda hacia nosotros mismos. En general nosotros tres, no es que seamos intelectuales (no voy a decir una berretada como esa ni nada por el estilo), pero nos gusta mucho leer, las charlas que podemos tener que a veces somos de entornos universitarios, miramos con malos ojos a la frivolidad, a Tinelli, todas esas cosas, y es una gastada hacia nosotros mismos. Hemos vivido en ambientes muy prejuiciosos frente a fenómenos como Tinelli o como la televisión berreta, y por eso es una gastada hacia nosotros mismos: ‘tanto joder, tanta cosa…’. Yo escuchando música contemporánea, música de John Cage y salgo haciendo ‘chin bom bom’, supongo que mucha gente se entera, asocia las dos cosas y dirá ‘qué le pasa a este tipo’… pero la verdad es porque me gusta, la verdad que me gusta y tiene mucho de eso. Ahora Sebastián me pidió que haga un remix de ‘chin bom bom’ y me encantó y estuve trabajando día a día en ese remix y me encanta. O sea, hay mucha cosa de ironía hacia nosotros mismo y hacia ciertas cosas del rock… hacia las cosas más estancadas del rock.
Pero te vuelvo a decir, los personajes no representan a ninguno, las letras no representan situaciones en particular… por ejemplo, ¿‘violencia en tus ojos’? [risas]… no se de dónde sale… yo no estaba en esa época en la composición, pero aunque no lo creas hay mucho laburo detrás de eso, de cuidar cada frase… Se cuida mucho la rima y eso. Y yo disfruto mucho eso, porque él [Sebastián] tiene esa visión, ese refinamiento, que le da a cada frase… y con Enrique laburan mucho así. Y a veces no se nota, porque también hay temas espontáneos, pero también hay veces que las frases quedan mal acentuadas. Es algo muy del rock argentino, y del folklore, que hace que las palabras queden medio raras. Pero en eso está también dejar alguna cosa deshilachada.
El sonido del nuevo álbum…
Una cosa que nos pasaba con el disco es que a mí me parecía que era muy corto… no llega a cuarenta minutos. Yo les decía que había que agregar algo porque era muy poco. Pero está muy cuidado el disco, que no hayan cosas de más, que no haya cosas que distraigan, que no haya una canción con la que no estemos convencidos. No hay una línea, o un hilo conductor del disco; no es un disco conceptual, eso está clarísimo. Es un proyecto multi-conceptual y en el fondo tal vez ese es el concepto, si se quisiera hacer un análisis berreta, muy posmoderno. Estaba muy cuidado esto de que no hubiera algo de más, que en las canciones no hubieran cosas que distrajeran: no hay solos de guitarra, o acaso una cosita cortita, hay poca introducción, vamos a la canción, que se imponga esto y que funcione, no hay ninguna canción que tenga una colgada instrumental (ninguna canción la tiene, ni de Río ni de Psycho). Es muy mínimo en eso, como diferentes mosaicos, de pocas cosas, como los primeros discos de los Beatles (son canciones de dos minutos, un solo de guitarra muy cortito) y si te gusta bien y si no: es lo que hay. Eso es lo que me parece que es lo que puedo rescatar de manera más consciente de lo que me puede gustar. Que cada cosa es un mosaico independiente que daría para hacer un disco conceptual con el concepto de cada una de esas canciones.
Protagonismos compartidos: elementos simultáneamente prescindibles e imprescindibles…
Creo que ese protagonismo viene de los propios intereses musicales. Personalmente puedo llegar a casa y poner Miles Davis o Miranda; y los disfruto. No de la misma manera, porque ambos me remiten a estados muy distintos. Pero difícilmente puedo escuchar todos los días Jazz, o todos los días Miranda. ¿Qué te gusta más, las carnes o las pastas? Y un día me gustan las pastas, y otro día quiero más un asado bien asado con colesterol y todo… y entonces ¿a qué público va esto? No se. Yo tengo dos hijas, y veníamos escuchando el CD en el auto, y les encanta ‘chin bom bom’… pero la tercera canción que es en la que putean y ‘…no te soporto…’, yo trataba de cambiarle para que no oigan. Y parece un tema muy contestatario, pero nosotros no somos así ni mucho menos, pero estaba bien para ese tema y funciona. Hay también algo para los medios, por eso está eso de Maradona (de las frases más repudiadas, en los ambientes que nosotros nos movemos es esa que dice ‘que la sigan mamando’, una frase digestiva, fea, de mal gusto…).
Yo siento que todas esas canciones conviven en el disco de manera natural. Yo pienso que no está nada forzado ni mucho menos. Pero cómo se clasifican y cómo uno las clasifica para presentarlas, eso si es otra cosa… porque acá dice [leyendo la postal promocional del disco]: “…bases electrónicas, instrumentos acústicos, música techno, rock y el folklore argentino”: parece que no querés dejar ningún mercado afuera, pero tampoco da para ningún mercado en particular.
Esa búsqueda siempre estuvo, y siempre fue natural. Lo que pasa es que estaba más controlada antes. En los discos de Psycho habían grabado tango electrónico, y eso, en el año 93 era imperdonable. Eso no llegó a ningún lado, ni ellos mismos lo permitieron. Y luego de unos años aparece Bajofonfo, o Gotan Project, y vos decís ‘mirá qué fácil que era, y qué bien se llevan lo electrónico y el tango…’. Y la verdad es que ninguno de nosotros puede decirse que seamos del ‘rock’, nosotros tenemos como una formación rockera; eso es lo que pasa. Sebastián es fanático de Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, y parte d ahí; y yo de los Beatles, de Cream, de ahí… pero me encanta Stravinski. Entonces yo creo que lo que nos mantiene a todos juntos como grupo es un espíritu rockero que no se nota ni es evidente en la producción o la estética de lo que hacemos. Y ahora tenemos ese cuestionamiento con respecto a eso, porque la batería que se usa ahora es muy electrónica, como la que se usó con Psycho. Y eso ya es todo un cambio estético, visual, que se aleja del rock, por lo menos desde la idea del ‘rockero’.
Cómo se curva el tiempo…
Mi viejo es físico, mi hermano es físico, tengo toda una familia de físicos dando vueltas [risas]. ¿Cómo era? Creo que tenía que ver con los agujeros negros y la teoría de la relatividad y esas cosas… pero luego les preguntamos [risas]. La única forma que yo conozco para que el tiempo se haga flexible y maleable es con la música (o fumando porro). Uno no sabe qué pasa, un minuto es una vida. Hay un cuento de Cortázar que se llama ‘El Perseguidor’ en el que Charlie Parker tomaba el subte en una estación y hacía diez estaciones y sabía que ese viaje duraba cuatro minutos. Pero en esos cuatro minutos, creo que era una sinfonía de Mahler, no me acuerdo bien, y él la seguía de punta a punta y sabe que la sinfonía duraba veinte minutos. No es que se apuraba él ni nada, no sabía lo que pasaba pero él creía que algo pasaba en el tiempo. Por supuesto que poética toda esa imagen, pero toda esa idea de que el tiempo se sucede de una manera muy extraña con la música.
Tocando, en un show, es típico que uno toque más rápido que en un ensayo porque uno está en un estado de adrenalina y de excitación que sentís que para que ese tema exprese lo que tiene que expresar, tenés que levantarle el tempo y yo no se si eso hace que el tiempo se curve, pero sí hace que el tiempo sea más flexible y que es algo que a todos nos pasa: la estamos pasando bien y quince días de vacaciones se te pasan así, pero quince días esperando que lleguen las vacaciones no pasan nunca.
Lo que viene en/para Río…
Ahora más que nada es preparar el show para presentar el disco. Lo que pasa es que como vivimos a cuatrocientos kilómetros lo que estamos haciendo es armando todo lo que necesitamos para que cuando nos encontremos salga al menos un 80% de lo que hemos hecho y toquemos bien todo, los golpes que tienen que estar, los solos tienen que estar, los acordes… y después ya hacer el trabajo de ensamble. Y suponemos que el show va a estar listo a en febrero, a mediados de febrero [2011]. Lo que nos pasa es que llegamos un poco tarde para la salida de los discos, entonces en verano no podemos salir a tocar, hubiera estado bueno, pero no llegamos. La segunda cuestión es ¿dónde queremos tocar?, porque nosotros no tenemos la necesidad de salir a trabajar con esto, cada uno tiene sus ingresos, no tenemos esa presión de que tenemos que salir a trabajar y hacer guita. Queremos cuidar que sean lugares donde lo disfrutemos, que disfrutemos tocar. Probablemente sean lugares como Café Vinilo, lugares donde se va a escuchar música, no creo que haya pogo; lo que pretendemos es que nosotros armemos el show y le demos toda la difusión.
Además estamos terminando el videoclip de ‘tres minutos’, que va muy lento porque el 70% va con la técnica de stop motion, entonces van algo así como 1500 fotos y eso cubría 15 segundos del videoclip. Hay otras partes que ya las filmamos en Santa Fe. La idea es terminar eso, justo terminamos un disco de remixes con algunos amigos: que es más que nada un disco de difusión para DJs y boliches (que es otro lugar donde esperamos mucho tocar). No es un show que uno va a ver un espectáculo, sino que uno va y se encuentra con un público que fue ahí por otra cosa, está bueno. Entonces es eso, disco de remixes, que esperamos darle difusión; salir a tocar en vivo; y el videoclip.
Marcelo Savignone, actor, director, dramaturgo, profesor...¿como hace?
